茶花女歌剧欣赏

第一篇：茶花女歌剧欣赏

茶花女歌剧欣赏

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马(Alexandre Dumas)的戏剧「茶花女」(La Dameaux Camelias)而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说：“五十年后，也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。”

《茶花女》的意大利名称为Traviata，原意为“一个堕落的女人”（或“失足者”），一般均译作“茶花女”。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢淫逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓“体面家庭”的“

荣誉”，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。

剧情：薇奥莱塔原是周旋于巴黎上流社会的名妓，为青年阿尔弗莱德真挚的爱情所感，毅然抛弃纸醉金迷的生活，来到巴黎近郊与阿尔弗莱德共同酿造爱情的蜜。但是，阿尔弗莱德的父亲乔治欧激烈反对，强要她承诺与他的儿子断绝来往。为了顾全阿尔弗莱德的家庭和幸福，她决心牺牲自己的爱情，忍受着内心的极大痛苦，重返风月场。阿尔弗莱德误以为她变了心，盛怒之下，在公开场合羞辱了她。薇奥莱塔信守对乔治欧的诺言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身体承受不了这一致命打击，就此卧床不起。不久，乔治欧良心发现，把全部真情对儿子言明。但当阿尔弗莱德回到薇奥莱塔身边，她已经奄奄一息了，疾病和不公正的社会夺去了她的爱情和生命。

音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。序曲采用第二幕中的爱情主题和下行的悲怆动机，对全剧作了提纲挈领的概括。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机，表现阿尔弗莱德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美，洋溢着青春的活力。薇奥莱塔的咏叹调，则表现女主人公复杂微妙的心理矛盾。前半部分表现她初次感受到爱情时内心的波动，音调诚挚、直率；后半部分表现她对爱情的大胆追述和渴望，大跳的音调反映了她内心抑制不住的喜悦。终场的二重唱，是一个感人的音乐场面，第一段中近乎口语式的急切语调，是这一对久经磨难的情人终又重逢时狂喜而激动心情的描写；第二段的分节歌洋溢着浪漫曲的抒情气质，抒发他们对爱情和幸福的向往。但后来，与阿尔弗莱德热情奔放的旋律交织一起的微奥莱塔声部中，出现了半音滑行的痛苦呻吟的音调，并逐渐发展扩大，最后占据了主导地位。威尔第应用这种对比手法，刻划了垂死的薇奥莱塔对爱情至死不渝的追求，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。

出场人物：

薇奥列塔（茶花女，女高音）

阿尔弗莱德（薇奥列塔的情人，男高音）

亚芒（阿尔弗莱德的父亲，男中音）

弗洛拉（薇奥列塔的女友，女高音）

加斯东子爵（阿尔弗莱德的好友，男高音）

杜弗男爵（阿尔弗莱德的情敌，男低音）

阿尼娜（薇奥列塔的女仆，女高音）

格伦威尔医生（男低音）

此外还有男仆、邮差、斗牛士、吉卜赛人等

第二篇：歌剧茶花女观后感

学校：莆田学院专业：土建系土木工程08

1姓名：林舒祥座号：124号（学号：810901105）

指导老师：杨鸣

标题：歌剧《茶花女》观后感

摘要：歌剧讲述的是一个交际花的爱情悲剧故事。主角维奥莱塔是著名交际花，在阿尔弗莱

德的追求下两人相爱。阿尔弗莱德的父亲知道后请求维奥莱塔为了阿尔弗莱德的家族荣誉而离开他，于是维奥莱塔忍痛离开了自己的爱人，阿尔弗莱德不理解，在一次宴会中羞辱维奥莱塔，并伤心的离开国家。后来，阿尔弗莱德知道了实情，于是回来找到昔日情人。但是，这时候的维奥莱塔已患病垂死。最后，故事以悲剧收场。从这部歌剧得到很多感想。

关键字：歌剧、茶花女、音乐、表演、感想

内容：

我以前并没有认真的欣赏过一部歌剧，等选修这一门课后，才对歌剧有一定的了解，对于我们这一代，歌剧并没有很大的吸引力，我们宁愿去电影，也不想听着一群人在哦哦着叫。至少我以前是这样认为的，选修这一门课后，我终于能让自己静下来去欣赏一整部的歌剧了，努力去寻找歌剧中的艺术魅力，投入到歌剧中，虽然对于歌剧还没有充分的了解，但看过几部歌剧，还是有一些感想，对歌剧有一定层次的理解。

《茶花女》歌剧也许是我看过的第一部最完整的歌剧。小仲马的著名小说《茶花女》有看过一些，部歌剧就是根据原著小说写成的。歌剧讲述的是一个交际花的爱情悲剧故事。主角维奥莱塔是著名交际花，在阿尔弗莱德的追求下两人相爱。阿尔弗莱德的父亲知道后请求维奥莱塔为了阿尔弗莱德的家族荣誉而离开他，于是维奥莱塔忍痛离开了自己的爱人，阿尔弗莱德不理解，在一次宴会中羞辱维奥莱塔，并伤心的离开国家。后来，阿尔弗莱德知道了实情，于是回来找到昔日情人。但是，这时候的维奥莱塔已患病垂死。最后，故事以悲剧收场。这是一浪漫又无奈的爱情，或许作者写的反映了当时社会的现实，也反映人与人之间身份、地位的悬殊淹没了美好纯洁的爱情。

歌剧有几个精彩的场面，如：阿尔弗莱德唱著名的《饮酒歌》：“让我们高举起欢乐的酒杯，杯中的美酒使人心醉；这样的欢乐时刻很美好，但真实的爱情更宝贵。眼前的幸福且莫错过，大家为爱情干一杯。”他转身对维奥莱塔：“青春好像一只小鸟，飞去不再飞回!请看那香槟酒在杯中翻腾，就像人们心中的爱情。”阿尔弗莱德嘹亮的歌声使得众人更加兴奋，他们同声唱道：“好啊，让我们为爱情干杯，再干一杯!”维奥莱塔接着唱：“在他的歌声里充满了真情，它让我深深地感动；在这个世界上最重要的是快乐，我为快乐而生活。好花若凋谢不会再开，青春若逝去不会再来；在人们的心中，爱情不会永远存在，今夜好时光大家不要放过，举杯吧，庆祝欢乐„„” 众人再次合唱：“啊!今夜在一起使我们多么欢畅，一切都使人流连难忘!让东方美丽的朝霞透过花窗，照在狂欢的宴席上!”

阿尔弗莱德的爱情迅速发展，不久，维奥莱塔实践了她的诺言，迁离繁华的巴黎，到风光明媚的乡间筑起爱巢，过其甜蜜快乐生活。在轻快的前奏引导下，阿尔弗莱德穿著猎装出现在花园中。他因得到维奥莱塔的爱而非常高兴。阿尔弗莱德唱出《我年轻狂热的梦》:“我沸腾的心和年轻的热情，她用温柔的爱与微笑，使它逐渐平静。打从她说过忘掉人世，像天国般共同生活的那一天。”

维奥莱塔对他们的爱情，深信不疑，但抵不住迪瓦尔的爱子心切，忍痛勉强答应他的要求。流着眼泪唱出断肠之歌：《告诉你女儿》她说：“为了成全迪瓦尔女儿的幸福，愿意牺牲一切，甚至报以一死。” 唱完已泣不成声。

到迪瓦尔的信:“你遵守了诺言......，他们还是决斗了。男爵虽然受伤，但逐渐在复原。

阿尔弗莱德现在国外，我已告诉他你所做的牺牲，不久即可回到你身旁。我也会来看望你，祈求你能早日康复......。”可是她却叹息道:“太晚了，”当看到镜中憔悴苍白的面容，不禁暗自叹息。在双簧管凄凉的曲调上，维奥莱塔唱出这首绝望的优美咏叹调 《再见，往日美丽的梦》:“再见，往日美丽快乐的梦，玫瑰般的脸色已经苍白，阿尔弗莱德的爱也遥不可及。神呵，请宽恕这误入泥沼的人，一切都将结束！”微弱的歌声，暗示一切都将终了。

维奥莱塔忏悔说: “对不起,全是我的过错，我一切都明白了。” 维奥莱塔兴奋地说:“我也知道你一定会回来！”

两人激动地唱出优美的二重唱《离开巴黎》：“离开巴黎，啊，我亲爱的人，让我们再度一起生活。我要补偿你过去的痛苦，你的身体一定可以康复。” 维奥莱塔突然顿悟说:“啊，不可能了！”，要阿尔弗莱德和她一起去教堂，感谢神让他回来了。

但维奥莱塔因兴奋过度，倒在地下。阿尔弗莱德赶忙叫安妮娜去请医生，但维奥莱塔说:“如果你回来还救不了我，这世界上再也没人能救我了。”

维奥莱塔想起自己悲惨的身世，使出最后的力气激昂地唱道:“啊，历尽痛苦的我，年纪这么轻就要死去！我内心忠贞不移的爱，只是空想罢了！”“亲爱的，让我们一起流下快乐的眼泪！在希望面前，请不要封闭你的心！”

这时迪瓦尔也进来了，而且安妮娜和格林维尔医生也赶到。“啊，维奥莱塔，我要拥抱你，如同自己的女儿，哦，胸襟宽宏的人儿！”

“哦，您来晚了，真是感谢，我将幸福地死去。”你说什么？迪瓦尔不安地问。阿尔弗莱德提醒说:“爸爸，您已经看到,请不要使我更加受苦，懊悔深深地刺痛我的心，她的话像雷声在击打我。这不幸是我一手造成的。”

维奥莱塔拿出嵌有自己肖像的手饰送给阿尔弗莱德，要他留下，以纪念他们的爱情并说:“如果有花一般纯洁的少女把心奉献给你，我希望你要娶她为妻。我将在天使环绕下为你们祈祷、祝福。”大家都为他的不幸悲伤，突然维奥莱塔从寝椅撑起上半身说道:“真不可思议，痛苦的痉挛没有了，我体内有奇怪的力气正在鼓动!我又能活下去了，多么快乐啊！”勉强站起来，但随即昏倒阿尔弗莱德的怀里，从此便玉殒香消，长辞人世了!

茶花女与阿尔弗莱德的爱情是一个悲剧，但造成这个悲剧的人，究竟是谁？第一个使人想到的，就是阿尔弗莱德的父亲，是他拆散了一对鸳鸯。但他又有什么错？看着自己的儿子，原本年轻有为，鹏程万里，却因爱上一个比自己大十多岁的妓女，而断送了前程？第二个使人想到的，是茶花女自己。她虽然跨出了上流社会的圈子，却仍过着挥霍的生活，导致最终卖了马车，卖披肩，弄的阿尔弗莱德为其东奔西跑，负债累累。但她又有什么错？面对各方面来的压力，她必须以某种方式予以宣泄。第三个，就是阿尔弗莱德，他岁和茶花女生活了那么久，却一点也不了解她，当众羞辱她，使她在内疚，自责中死去。但他又有什么错？他为茶花女付出了一切，茶花女突然“背叛”了他，他不那么做才怪了。第四个，是当时的社会背景，上流的生活圈，他们间接害死了茶花女，但那些人，又有什么错？难道，他们看着茶花女“自甘堕落”，而无一点言语舆论的权利？所以说，他们的悲剧，不是任何人造成的，是爱情欺骗了他们，是生活欺骗了他们，要怪，也只能怪爱情，和现实生活这一对矛盾。难道这个歌剧留给我们的，只是悲剧？不，从中，我们可以看到的，是人生观，幸福观。有人说过：“你对这部歌剧可以没有印象，但你对其中最主著名的选段《饮酒歌》，却不能没有印象。”

《饮酒歌》充分表现了男女主人公对于爱情，对于人生的幸福观：“当前的幸福莫错过，大家为爱情干杯。青春像一只小鸟，飞去不再飞回。”这与王骆宾的歌，有着异曲同工之妙。这里向人们展示的一个幸福的观念就是：要抓住当前的幸福，尽情享乐。

中国人每每谈及此观点时，否定率，一定为百分之百。在中国人的传统观念中，这观念是肤浅的，错误的。就像李白说的：“今朝有酒今朝醉。”法国暴君路易十五说的：“我死后，哪怕大浪滔天。”但我认为，这样的“当前幸福观”，与中国人的“只为长远的幸福”，都只对了一半，结合起来，才是完美的。试想，当时茶花女与阿尔弗莱德爱情的结合太仓促了，没有考虑到共同生活后带来的麻烦。这应证了国人“人无远虑，必有近忧。”但他们如果不谋短暂的幸福，只求长远，恐怕，他们什么都做不到。毕竟，茶花女在生命的最后一段时光，感受到了真正的爱情，使她改变了从前在上流社会中那种虚情假意的生活。这也应证了“当前的幸福莫错过”这句话。如果当时他们都是谋求的是长远的幸福，恐怕这个悲剧不会发生，茶花女生命的意义，和爱情的意义，绝不会体现出来。

回到现实中来，我感到，自己谋求将来的幸福，忽略了当前的幸福。我们身边有亲请，友情，当然，还有爱情。记得以前，老师写过一句话：有许多问题，是难以得到完美答案的。可至少，我们可以为这些答案去做些努力，为自己的幸福，去把握些什么。

参考文献：原著小说《茶花女》

《名著欣赏》

《爱情的命运》

网络

2009.4.8

第三篇：歌剧《茶花女》观后感

那朵永不凋零的白色山茶花

——欣赏歌剧《茶花女》有感

在这个学期的歌剧课上，我有机会得以重温《茶花女》这部经典。其实在初中的时候就已经读过《茶花女》的小说，可能那时候还比较小，没能真正读懂，一直觉得扼杀了玛格丽特和阿尔芒之间那段美丽的爱情的是阿尔芒的父亲。在歌剧的过程中我渐渐有了新的理解。歌剧的情节跟小说的基本上没有多大差别。只是男女主人公都改了名字，男主人公叫阿尔弗莱德，女主人公叫薇奥列塔。

薇奥列塔的扮演着是安琪拉·乔治乌，茶花女也是使她一夜成名的一部歌剧。当乔治乌出场的时候，我立刻就被她那称得上倾国倾城的容貌和不俗的气质所深深吸引。我是个行外人，对于的歌剧的了解不多，一来不懂意大利语，对于语言之中传达的那种微妙的情感无法把握，二来我不懂声乐，似乎所的演员的演唱对我来说都是一样的高水平。因此得很大程度上一些外在的东西便成了我对一部歌剧的判断标准，演员长得好不好看，衣服漂不漂亮，布景华不华丽，虽然这样的判断标准说得上肤浅，可是对于我们这种抱着看热闹的行外人心态的观众来说，其重要性有时甚至超过了表演者的演唱水平。所以当我看到茶花女的开场，演员，服装，布景，一切都是那么的完美时，我便觉得这是一部很高质的歌剧。当然，我想事实上它也是一部好歌剧。因为尽管语言不通，但是通过演员们精湛的表演，通过他们声音的高低起伏，我可以真切感受到他们所要传达的喜怒哀乐。

尽管我是女性，在一开场时我就已经抵挡不止乔治乌所扮演的薇奥列塔的魅力，更别说是像阿尔弗莱德这样的热血青年。尽管我本身也是因为乔治乌的美貌与气质才被薇奥列塔这个角色所吸引。不过我还是觉得阿尔弗莱德对薇奥列塔的爱情是肤浅的，脆弱的。薇奥列塔是以一个名妓的身份出现在阿尔弗莱德的生活中，阿尔弗莱德对她并没有太多的了解，除了她那绝世的容颜，难道阿尔弗莱德在对薇奥列塔表明心迹的时候，他是为她内心的某些高尚的品质所吸引的吗？我想答案应该是否定的吧，他仅仅只是被薇奥列塔的美貌的名妓的身份所吸引罢了。他是虚荣的，他仅仅只是想占有一个为大家所惊叹，所追求的光鲜亮丽的女人罢了。他也并不真正认为薇奥列塔会真正地抛弃过去，和他生活。如果真的有考虑到这一点，他也不会在和薇奥列塔离开巴黎后，并没有想过和薇奥列塔结婚，仅仅只是满足于共处同一屋檐下的一时欢愉而已。当他因误会薇奥列塔要重返过去那种灯红酒绿的生活而勃然大怒时，我不知道应该理解为他是很爱薇奥列塔的，还是根本就很爱得很浅薄。他是因为深爱着薇奥列塔，所以才因为她的“背叛”而勃然大怒吗？但如果他是深爱着薇奥列塔的，他怎么可以不问清楚便对薇奥列塔如此大发脾气。爱是建立在彼此信任的基础上，他们朝夕相对几个月，难道之他对薇奥列塔的信任仅仅只是有一页信纸就可以击毁的吗？相比之下，薇奥列塔就高尚得多。她面对阿尔弗莱德热切的告白不轻易动心，但一旦决定和他相爱，她又是如此的不顾一切。她爱的是阿尔弗莱德的灵魂，她也交出了自己的真心。所以当阿尔弗莱德的父亲请求她离开阿尔弗莱德的时候，尽管很痛苦，但为了爱人以及他家人的前途，她宁愿牺牲自己的幸福，承受最心爱的人的误解。

整部歌剧给我印象最深刻的出了开头唱祝酒歌的那一段，就是薇奥列塔病重，在奄奄一息中和阿尔弗莱德重聚的那一段。在病痛和爱人的误会的双重折磨下，她容颜是那么憔悴，身躯是那么消瘦，身着一袭白色长衣的薇奥列塔就宛如在风中摇摇欲坠的一朵白色山茶花，让人无不心生怜惜，潸然泪下。我不知道《茶花女》之所以叫茶花女是什么原因，但我觉得薇奥列塔的形象跟山茶花很相像，洁白温润，高雅不俗。而乔治乌更是将这个角色觉得诠释得淋漓尽致，楚楚可怜，让人印象深刻。虽然薇奥列塔最后还是香消玉殒了，可是她却犹如一朵永不凋零的山茶花，摇曳在歌剧的舞台中。

第四篇：歌剧欣赏

歌剧欣赏

《茶花女》

《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。

这是根据1852年法国的作家小仲马(Alexander Dumas)的戏剧「茶花女」(La Dame

aux Camellias)而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．

威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说：“五十年后，也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。”

《茶花女》的意大利名称为Travolta，原意为“一个堕落的女人”（或“失足者”），一般均译作“茶花女”。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢淫逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓“体面家庭”的“荣誉”，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。

《巴黎圣母院》

《巴黎圣母院》（法语：Notre-Dame de Paris）是法国和加拿大联合制作的一部音乐剧，改编自法国作家维克多·雨果的小说《巴黎圣母院》，于1998年9月16日在巴黎首演。剧中的音乐为意大利作曲家理查德·柯强特（Riccardo Cocciante）所作，歌词为法国词作家吕克·普拉蒙东（Luc Plamondon）所作。

音乐剧《巴黎圣母院》于1998年9月16日在巴黎首演，在其后的几年里创下了直接剧场观众400多万人的记录，他们还在世界许多国家巡演如：比利时的布鲁塞尔、加拿大的蒙特利尔、瑞士的日内瓦、英国的伦敦、意大利的米兰、俄罗斯的莫斯科、荷兰的阿姆斯特丹、黎巴嫩的里本等。

音乐剧《巴黎圣母院》曾在法国获得过“最佳演出奖”、“最佳曲目奖”、“最佳世纪歌曲观众奖”。在加拿大魁北克获得过“最佳唱片奖”、“最佳演出奖”、“最佳圣堂歌曲奖”、“最佳导演奖”。在莫那哥获得了“世界音乐法语唱片最佳销售奖”。

音乐剧《巴黎圣母院》共售出唱片近700万张、录象带100余万、DVD近20万、剧中歌曲单张唱片300余万。

维克多.雨果是法国和世界文学史上的一代文豪，他的《巴黎圣母院》是一部老少皆知的经典世界名著，它讲述了15世纪末变动不安的年代中一个描绘人性善恶贪婪与纯真凄美的爱情故事。同时，它也是一个理想的音乐剧素材。

法裔加拿大人卢可。普拉蒙顿与意大利人李查德。科西安蒂在忠于原作的前提下，联手花费巨资把它搬上了音乐舞台，也成就了这一世界文明的音乐剧。

该剧1998年在巴黎连演126场，五十万门票全数售罄，并迅速以其巨大的艺术震撼力和视听上的极高水准，振荡了整个欧洲艺术界。其音乐原声唱片销售达700万张，剧中的单曲“美丽佳人”更是获得世界音乐奖，《巴黎圣母院》剧在基本音乐结构中纳入了大量流行音乐因子，迥异于一般传统音乐剧，强调古典美声的取向，在摇滚乐的包装之下，强烈的旋律性令人百听不厌，再加上几位主要演员别具风格的声音表现，更使人难以忘怀；在演员用歌声诠释内心感受的同时，编导也给舞者提供了相当自由的发挥空间，舞者将抽像的情感已具体化的一种表现形式展现给观众；堪称一流的灯光道具制作效果也将带给观众强烈震撼。

《猫》

《猫》是英国作曲家安德鲁·洛伊德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）根据T·S·艾略特（T.S.Eliot）的诗集 《老负鼠讲讲世上的猫》谱曲的音乐歌舞剧。自从在1981年伦敦首场演出之后，已经成为讫今以来最著名的歌舞剧之一。其中一曲“记忆”，更在全世界广为流传。目前，《猫》是世界上票房最高的舞台剧，也是在美国纽约百老汇和英国伦敦西头连续公演最长的舞台剧。

《猫》是音乐剧历史上最成功的剧目，曾一度成为音乐剧的代名词。该剧创作于1981年，是在伦敦上演时间最长、美国戏剧史上持续巡回演出时间最长的音乐剧，1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至2002年5月11日在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。《猫》在美国演出时间相加总长为16年零2个月，仅这一出戏在全球演出的总收入就超过了20亿美元，到2000年6月该剧正式宣布停演时，已在全球演出了6000多场。该剧创作精良，表演水平精湛，36位出场演员各有各的绝活，片中的老猫格里泽贝拉由大家熟悉的依莲娜·佩吉扮演，她被一些媒体称为英国音乐剧“第一夫人”。

《猫》中的角色：“领袖猫”。猫族中的首领，充满智慧和经验，他必须出席一年一度的猫会，并最后决定哪一只猫能够升天获得重生；“迷人猫”，剧中成熟女性的代表，全剧舞会高潮时她是领舞者，在青蓝色调的光线下，惟有她的红色皮毛洋溢着温暖；“魅力猫”。年轻时是猫族中最美丽的一个，厌倦了猫族的生活到外面闯荡，但尝尽了世态炎凉，再回到猫族时已丑陋无比——她的样子最像人类，长发披肩，身穿黑色晚礼服，脚蹬一双高跟鞋。一曲《回忆》平息了所有猫儿对她的敌意，唤起了对她的深深同情和怜悯。还有“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等。这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手；或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。

《猫》中的舞蹈和音乐相当突出。为了传情达意，编导们不惜用了大量的舞蹈场面来表现猫的不同特征和性格。这里既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞。怎么好看怎么编，没有框框，别具匠心，不拘一格。尤其是那段长达十几分钟的“杰里克舞会”的舞蹈，场面宏大，激情澎湃，让人看得如痴如醉。

《猫》的舞台也极精彩。它的设计概念是“从猫儿眼里看到的世界”。观众可以从自己坐的座位角度看到一个垃圾场，上面堆放着1500多个牙膏皮、碎碟子、坏信用卡、可乐罐、废弃的汽车等等各式垃圾，全部都按照猫眼中的尺寸放大。台上还有一座重达5吨的天桥，供猫儿上下戏耍，演出时桥下有三个工作人员躲在里面控制烟雾、灯光、变出“魔术猫”。《猫》的服装全按各个猫儿的形象特征来设计，共有250多套，上面逼真地绘出了不同年龄、性别的猫的肤色和皮毛花纹，每个演员都被画成了一个与其身份相符的猫脸，再配上30多个不同色泽和质感的假发，活灵活现地装扮出了一只只性格各异的猫儿。

《托斯卡》

.普契尼创作的歌剧。3幕。作于1900年，同年在罗马首演。剧本由贾可萨和伊利卡根据萨尔多的戏剧改编。在这部歌剧中，普契尼注意音乐的感情渲染和戏剧性效果，全剧始终强调声乐的重要性，有许多精彩唱段。例如第二幕托斯卡的咏叹调，为了艺术，为了爱情。第三幕卡瓦拉多西的咏叹调，星光灿烂。剧中人物性格的刻画很深刻，有很强的艺术感染力 普契尼的歌剧继承意大利真实主义歌剧流派的传统，题材大都取自现实生活，反映普通人的遭遇，特别突出深受生活煎熬、具有辛酸经历的各种各样的女性形象。他的创作继承和发扬意大利歌剧注重歌唱性曲调的传统，同时吸取了19世纪以来欧洲歌剧和交响音乐创作的新成果。他的歌剧既抒情又富于戏剧性；声乐演唱综合歌唱性和朗诵性音调，突破宣叙调和咏叹调的界限；在牢固确立声乐主导地位的同时，注意发挥管线乐队的表现力，使嗓音和管弦乐队织体水乳交融，推进了20世纪歌剧艺术的发展。《托斯卡》是普契尼最着名的三部歌剧之一，本文拟通过对本剧中两首马里奥·卡瓦拉多西的两首咏叹调进行分析，分析其艺术特色，从而帮助读者更好地把握《托斯卡》中男高音咏叹调的艺术特色和演唱要求。

咏叹调一般出现在歌剧情节发展的重要时刻，主要表现剧中人在特定情境中的思想感情和心理活动，以此塑造人物形象，烘托戏剧发展的氛围。咏叹调虽然并不直接推动情节的发展，却是歌剧中最富艺术感染力的唱段，具有很强的抒情性和旋律性。在《托斯卡》这部歌剧中，大部分的咏叹调是戏剧性的，这对展现剧情的矛盾、推动情节的发展和刻画人物性格都具有突出的作用。

马里奥·卡瓦拉多西是歌剧《托斯卡》中的男主角，歌剧叙述了画家马里奥·卡瓦拉多西因掩护爱国志士而被忠于爱情的歌唱家托斯卡误解，最后两人双双死去的故事。整部歌剧中卡瓦拉多西有两首咏叹调，普契尼在烘托紧张气氛的基础上，利用脚本中所提供的一切抒情因素，竭力去渲染人物的感情色彩，突出了声乐的重要性，发挥了男高音的独特魅力。

《奇妙的和谐》是歌剧《托斯卡》第一幕罗马画家马里奥·卡瓦拉多西演唱的一首咏叹调。这部歌剧没有序曲，只有三小节的三个和弦的最强音，用来表现警长斯卡尔皮亚狡猾而固执的性格，便立即拉开了第一幕。

卡瓦拉多西在教堂里画着一幅圣女玛丽·马格达伦的神像，他热恋的女友托斯卡动人的身影一直浮现在他的脑海里，他的一面作画，一面浮想联翩，他的遐想就像大海的波涛撞击着他的心灵，突然他发现他心爱的托斯卡的倩影在他的画布上油然而生，这个惊奇的发现使他激动不已，他情不自禁地唱出了《奇妙的和谐》这首咏叹调。

此曲旋律优美动听，是简单的三段体结构。第一段的前两句旋律平稳谐和，表现了他那惊奇的发现，使他发出了轻轻的而激动的赞叹声。从第三句开始直到第一段结尾，旋律上运用了连续大跳的手法，表现了卡瓦拉多西对画布上的托斯卡的赞美，唱出了他心中的爱情，唱出了他内心的激动和爱的美好。第二段为3/4拍，共计四小节，像是在自言自语，赞美艺术的神奇。第三段又回到6/8拍，再现了第一段的旋律，接着使音程展开，把旋律推向高潮，展示了在卡瓦拉多西的心中蕴藏着对托斯卡一样的爱情。《费加罗的婚礼》

《费加罗的婚礼》是莫扎特最杰出的三部歌剧中的一部喜歌剧，完成于1786年，意大利语脚本由洛伦佐·达·彭特根据法国戏剧家博马舍的同名喜剧改编而成。

《费加罗的婚礼》（K.492）是宫廷诗人洛伦佐·达·彭特根据法国启蒙运动时期喜剧作家皮埃尔·奥古斯丁·卡龙·博马舍的同名小说改编而成的。博马舍共写过三部以西班牙为背景的喜剧，剧中的人物都相同。分别是《塞维利亚的理发师》、《费加罗的婚礼》和《有罪的母亲》，创作于1732-1739年。《费加罗的婚礼》（又名《狂欢的一天》）于1778年首演。作品把伯爵放在人民的对立面，暴露了贵族的腐朽堕落，同时也反映出强烈的反封建的色彩，富有时代气息，风格明快幽默，情节曲折生动，以嬉笑怒骂的语言，突出强烈的喜剧效果，是作者最出色的代表作。而在这三部剧作中，前两部被谱成了曲，沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特选择了第二部，并于1785年12月到1786年4月间创作。19世纪的罗西尼选择了第一部。如果你还没有看过罗西尼的歌剧《塞维利亚的理发师》的介绍，建议把这两个故事联系起来读，因为这两个故事是相互有关联的。

博马舍的话剧以幽默讽刺的笔法反映了当时社会上“第三等级”地位的上升，歌颂了

《费加罗的婚礼》剧照(11张)人民反封建斗争的胜利。创作歌剧《费加罗的婚礼》时的莫扎特也已从萨尔兹堡大主教的樊笼中解脱了出来，正焕发出前所未有的创作激情。莫扎特的歌剧保留了原作的戏剧宗旨，在作品中对伯爵妄图恢复农奴制的作法加以挞伐，表达了对自由思想的歌颂。

1786年5月1日《费加罗的婚礼》在维也纳国家剧院首次公演，30岁的莫扎特亲自指挥。1824年5月10日，在纽约国家公园剧院，以英文歌词演出。

莫扎特创作的四幕喜歌剧《费加罗的婚礼》描写了伯爵府的仆人费加罗马上要和女仆苏姗娜结婚了，费加罗正欢天喜地地准备婚事，谁知苏姗娜告诉他，伯爵送他们的婚房是不怀好意，是存心要占她的便宜，仍然要实现他假惺惺地曾经宣布要放弃的对奴仆婚姻的“初夜权”。费加罗听后恍然大悟，二人决心和伯爵斗一斗。另有一老管家玛切林娜痴心地想要嫁给费加罗，并以一张债据作为要挟，给她出主意的是老医生巴托洛，十年前，就是因为费加罗帮助伯爵打败了想娶贵族小姐罗西娜为妻的他，而使罗西娜成为了伯爵夫人，所以，医生一直对费加罗怀恨在心，如今，到了报仇之时了。府中另有一翩翩少年凯鲁比诺，成天到处播撒情种，和一个成天以散布谣言为己任的音乐教师巴西利奥，加上一个糊里糊涂的法官和一个整天醉醺醺的花匠。当然，还有那独守空房的伯爵夫人。各路角色齐登场，贵族和平民的较量就此开始。最后，属于第三阶级的聪明勇敢的平民，终于让伪善荒淫的伯爵当众出了丑。博马舍是18世纪后半叶法国最重要的剧作家。博马舍喜剧的出现意味着古典主义喜剧向资产阶级喜剧的过渡完成。1789年，资产阶级革命爆发。资产阶级意识到戏剧作为宣传手段在革命中的作用，提出“戏剧应该教育民众”的口号。革命派还有意建立人民剧院。1791年1月31日，立宪议会公布取消王室的戏剧审查制度，答应演出自由。本年内有数十家剧院呈请开业，其中的共和国剧院以专门演出支持革命的新剧目而闻名。这时期创作了大批配合或直接宣传革命和革命战争的悲剧和时事剧。资产阶级革命使演员终于获得了公民权，彻底结束了过去受歧视被欺侮的悲惨处境；成立了保护剧作者合法权益的剧作家协会。博马舍的《费加罗的婚礼》是他在十八世纪三十年代创作了总称为“费加罗三部曲”中的第二部，于1784年4月27日在巴黎法兰西剧院首演，其时法国正处于大革命的前夕，这部喜剧对揭露和讽刺封建贵族起了很大的作用。虽然这部喜剧在整个欧洲都获得好评，但奥地利皇帝约瑟夫二世却禁止在维也纳上演这一剧目。

莫扎特所请的脚本作家洛伦佐·达·彭特是当时的宫廷诗人，由于他多次出面争取，最终皇帝于第二年为了缓和国内的一些冲击而口头批准改编后的歌剧可以上演。莫扎特用了一年时间谱曲，他在创作这部歌剧时保留了原作的基本思想，那愚蠢而又放荡的贵族老爷同获得胜利的聪明仆人之间的鲜明对照即为整个剧情发展和音乐描写的基础。

1786年，《费加罗的婚礼》于维也纳奥地利国家剧院首演。由于此剧题材敏感，上演期间国内的贵族大为愤慨，皇帝个人虽然很欣赏这部作品，但迫于压力，曾多次要求莫扎特删改内容。德语版本于1790年在柏林上演。

《费加罗的婚礼[1]》是莫扎特众多歌剧作品中最为著名的一部，是莫扎特歌剧中的颠峰之作，也是中国乐迷最为熟悉的一部，创作于1786年的这部歌剧，是欣赏莫扎特歌剧的入门之作。

《费加罗的婚礼》至今仍是各大歌剧院上演次数最为频繁的歌剧之一，有如天籁的歌声和错综复杂的男女人物关系，宛如角力般、层出不穷的小计谋和角色错乱的对白，至今仍是许多观众念念不忘的经典。让人眼花缭乱的进行速度，带出男女之间你来我往的情境、种种约定承诺造成的混乱情形、还有谁对谁唱情歌、谁看谁却不是谁的有趣故事。随着近代舞台的技术进步，每一次观赏此剧时都有全新的体会。

第五篇：歌剧欣赏

歌剧欣赏

——浅析歌剧

歌剧是一门集戏剧，诗歌、舞蹈、舞台艺术和音乐等为一体的综合艺术，它包括轻歌剧、喜歌剧和正歌剧。

歌剧经历了两百多年的历史，它的成长充满了高贵、华丽的气息、场面的宏伟、史诗性的咏唱、钻石般的人声，变化绚丽。这种艺术形式的存在与发展无疑是人类文明中的瑰宝。近代西洋歌剧产生于十六世纪末的意大利，后逐渐流行于欧洲各地。辛亥革命以后，尤其在1930年代，也有把中国宋、元以来的戏曲，称为歌剧或旧歌剧的。

这个学期的课程，我们欣赏了《卡门》、《图兰朵》、《茶花女》、《江姐》这四部歌剧，既有西洋歌剧，又有中国的歌剧，还有有明显中国特色的西洋歌剧。这四部歌剧中给我印象最深的是《卡门》。

四幕歌剧《卡门》是梅拉克和阿莱维根据梅里美的同名小说改编的。这部歌剧是世界上最著名的歌剧之一，也是19世纪法国歌剧的最高成就。它以其生动鲜明的音乐语言、丰富巧妙的和声配器手法以及强烈感人的戏剧性发展，把作品的主题思想表达得淋漓尽致。《卡门》是一部生动的音乐文学，它用音乐鲜明地刻画出性格相异的人物形象，并且集中刻画了卡门热情泼辣、酷爱自由的性格。《卡门》的音乐始终紧密配合着舞台动作，中间没有静止的音乐场景。剧中进行曲、咏叹调、舞曲等交替出现，乐曲爽朗流畅，具有炽热的西班牙音乐特色。所有这些音乐又通过严谨的戏剧逻辑组合为一体，紧凑而简练，表现了真实的生活，使其成为雅俗共赏、具有深刻思想内容的一部伟大作品。这部歌剧具有重要的社会现实意义，比才通过对女主人公卡门独立不羁的性格刻画，强烈地反映了资产阶级个性解放的思想，满腔热情地讴歌了自由，体现了他对全部生活的坚定信念。

《卡门》最深刻的独特性就是运用了三种不同的因素：民间因素、喜剧因素和悲剧因素，并成功地将三者融为一体，所以作品的一致性是最先引人注目的特点。《卡门》的旋律紧凑，节奏充满活力，人物的性格描写逼真细腻，因而造成许多戏剧高潮，从而深刻地揭示了作品的悲剧性。它具有独特的音乐特色，是音乐与戏剧的完美结合，带有强烈的民族音乐色彩。

通过这学期歌剧欣赏课的学习，让我对歌剧有了更深刻的认识与理解。西洋歌剧《茶花女》与中国歌剧《江姐》相比较，展现出了中国歌剧与西洋歌剧的不同于相同。中国歌剧与西洋歌剧音乐虽然同属音乐范畴, 但是因为它们分属于不同的民族、不同的艺术样式。

《茶花女》的音乐以细微的心理描写、诚挚优美的歌调和感人肺腑的悲剧力量，集中体现了中期威尔第歌剧创作的基本特点。第一幕的《饮酒歌》，是以单二部曲式为基础的分节歌，轻快的舞曲节奏，明朗的大调色彩，以及贯穿全曲的大六度跳进的动机。威尔第应用对比手法，揭示了歌剧深刻的悲剧主题，具有震撼人心的戏剧力量。

《江姐》既以戏剧为主、符合我国的传统欣赏习惯，又借鉴了西洋古典歌剧的创作手法、强烈表现了歌剧以音乐感人的艺术魅力;既渲染了剧中情节的发展与矛盾冲突，又给人以强烈的音乐感染力，同时，歌剧中的咏叹调既紧密结合剧情，又充分发挥了抒情性的戏剧功能。

生成的文化背景不同。我国的歌剧可以说萌芽于二十世纪二十至三十年代的儿童舞剧，直到1942年以后，由延安秧歌剧发展而成的，具有民族特色的歌剧

《白毛女》的诞生，标志着我国歌剧的发展进入了一个新阶段，对后来的歌剧创作有深刻的影响。为了与中国固有传统戏曲相区别，此种歌剧被称为新歌剧。到解放战争期间，又产生了不少新的歌剧创作。西洋歌剧与西方其他戏剧形式应该说同源异流，其产生渊源于相同的文化大背景。在西方戏剧表现中，侧重于对外部客观世界的再现和模仿，是一种通过外部客观世界表达内部主观世界的戏剧理论和戏剧创作，是与再现性、模仿性的西方文化精神一脉相承的。音乐体制不同，中国歌剧体制是以简代繁、以一总万的“ 一曲多用”制；而西洋歌剧音乐则是流动多变、以繁呈丰的“ 多曲多用”的体制。“一曲多用”与“ 多曲多用”的中西音乐的不同体制, 来源于中西方不同的美学思想与不同的文化精神及其创作原则。中国传统美学强调写意, 西方传统美学注重写实中国强调以少胜多, 强调传神, 西方注重以多映多, 注重逼真中国主张中正平和、天人合一, 西方注重个性自由、突破掘进中国倡导抒情言志, 西方注重再现写实。

器乐艺术不同，中国歌剧与西洋歌剧，器乐种类的不同，主奏乐器不同，指挥不同，伴奏方式不同，艺术功能不同。中国歌剧的主要艺术功能更强调服从服务于剧目的主题、人物、环境、气氛、情感、情绪、风格等；西洋歌剧乐队的艺术功能则更突出作曲家的音乐色彩与艺术风格。

体裁不同，西洋歌剧体裁流派，多为正歌剧，歌唱芭蕾剧，喜歌剧，大歌剧，轻歌剧，乐剧，音乐剧，古典主义歌剧，浪漫主义歌剧，民族主义歌剧，真实主义歌剧，印象主义歌剧，表现主义歌剧等。中国歌剧体裁，有多种体裁，多种题材的形式出现。体裁方面，有歌舞剧、小调剧、音乐剧、秧歌剧、正歌剧等；题材方面多在民族英雄事迹、民间故事、抗战生活与精神等方面；形式上或就传统戏曲形式改造、将话剧与歌曲结合、或据民间曲调填词改编，总有作品近百部之多。

二者的区别都可以追溯为“民族性”的差异，因此，我们在学习与欣赏西洋歌剧的精华时，必须充分重视中国歌剧民族性的优长和精华，将其作为本体美学特征，不断发扬光大，为繁荣发展中国的民族戏曲艺术而做出新的更大的贡献。

歌剧特有的人声与器乐的超完美结合，是音乐发展的一个重要的里程碑，相信歌剧将会在更多欣赏者的支持下不断发展完善，音乐家为我们留下的歌剧艺术一定会有美好的未来。