钢琴教学法论文

第一篇：钢琴教学法论文

2012届成人函授本科毕业论文

题目：如何在钢琴教学中培养乐感

学

院： 音乐学院

专业班级： 音乐学2012届成人函授本科班 学生姓名： 马丽娅 学

号： 212001140003 指导教师： 万莹 答辩日期：

目 录

内容摘要与关键字„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„ 1

一、钢琴学习中乐感培养的重要性分析„„„„„„„„„„„„„„„„„„„ 1-2

二、钢琴教学中培养学生乐感的有效途径„„„„„„„„„„„„„„„„„„ 2-3

1．加强与学生之间的交流，引发学生的想象力与创造力，进而培养学生的乐感2-3 2.重视乐感培养的同时也要兼顾与乐感丝丝相扣的音乐技能问题„„„ 2-3

3.欣赏因乐感而生，良好的音乐知识能更好的辅助情感的表达„„„„ 3

三、小结„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„ 3-4

四、参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„ 4

如何在钢琴教学中培养乐感

摘 要

钢琴教学中不少部分都需要认真的学习才能得到提高。但是作为一门表演艺术，钢琴演奏主要是通过演奏者用熟练的技法和过硬的表演技能将作曲者的意图创造性的再现于人们面前，正确的将音乐作品的内涵塑造出来。因此，钢琴教学中除了教授演奏技术技法，乐感的培养也成为教学过程中一重要环节。只有加强学生的乐感，才能让学生创造性的将音乐作品形象诠释出来，达到音乐“以音传情”的目的。

关键词：钢琴教学；乐感培养；重要环节

一直以来，在很多人的观念中，钢琴教学中的基本功训练指的就是指法训练上的问题，认为钢琴是弹出来的。当然，在钢琴教学中技法技能是极为重要的，而这些技术技法优势建立在熟练的指法上的。但是，钢琴技术不仅仅只是这样狭隘的理解，关于技法方面必须要全面的去理解，这对于提高钢琴教学和演奏技术具有重要的意义。钢琴训练中存在着诸多环节，比如说乐谱识认，声色音色的辨别、多声部的训练、钢琴踏板的问题、教学中整体与细节的把握，演奏者的心理等等，这其中当然也包括乐感的培养。笔者作为一名钢琴教学者，在本文中将就乐感的培养这一问题谈几点自己的看法。

一、钢琴学习中乐感培养的重要性分析

就钢琴学习而言，学声乐感的训练和培养是十分重要的组成部分。学生学习钢琴和学习语言一样，必须要有一定的感觉才能让内在的学习兴趣与潜能激发出对性的比较深入系统的论述，其中不乏真知灼见，也有因夸大相对性等原因而产生的种种谬误。在中国的儒、道两家的理论中，把握事物的相对性不仅被当作一种思想方法被广泛应用，而且还作为一种宇宙的准则和理想的境界受到推崇。儒道两家都反对极端，但所走的道路不同：儒家奉行的是中和的相对主义，而道家主张的是退避的相对主义。孔孟从治国平天下这样的社会需要出发“不言怪力乱神”，他们用显微镜看世界，把目光放在社会时务中的细枝末节上。孔子在具体的事物中看到对立双方的存在，如《论语·子罕》中有：“子曰：吾有知乎？无知也。有鄙夫问于我，空空如也，我叩其两端而竭。”但孔子不再进一步去考量对立双方的关系，认为“攻乎异端，斯害也已”。来，才能在长期的学习过程中慢慢具备较高的音乐审美素养，才能在钢琴学习中起到事半功倍之效，进而在钢琴学习的过程中逐渐步入成功的坦途。乐感对于学习钢琴的学生而言是一个重要的问题所在，刚如果没有好的乐感，那么学习钢琴的兴趣就会慢慢缺失，最终失去学习钢琴的积极性，而对于乐感比较好的学生，他们在学习钢琴的同时享受到了音乐的美好，在和谐愉悦的演奏过程中体会到乐曲的精髓所在。因此，就这点而言，钢琴练习的质量与练习时间并无多大关联，重要的是自身乐感的获得。乐感的培养与提高在钢琴教学中的重要性如此可见一斑，应该将其贯穿到钢琴教学全过程中。学生的乐感问题如果能够得到很好的解决，那么，优质的钢琴学习也就属于水到渠成之事了。

二、钢琴教学中培养学生乐感的有效途径

1、加强与学生之间的交流，引发学生的想象力与创造力，进而培养学生的乐感

想象力和表现力是每个人内在的能力，作为教师，我们就要将学生对音乐的想象力和表现力以及创造力充分挖掘出来。在钢琴教学中，教师首先要喜爱自己的学生，将学生当成自己的孩子一样去教导，既要富于耐心还要细心。妖要经常给予学生以鼓励，让学生在学习中喜欢上钢琴，通过不断地练习积极的将自己的想象表达出来。

2、重视乐感培养的同时也要兼顾与乐感丝丝相扣的音乐技能问题

钢琴技艺与乐感之间是相辅相成的。钢琴指法的问题如果不能得到很好的解决，那么乐感也就无法得到很好的表现。笔者在教学中经常遇到这样的学生，在钢琴曲目联系中只顾技术上的问题，将乐曲感悟方面的注意力转移分散，最终导致乐感的严重缺失。没有情感的钢琴演奏就没有生命力，也就不能称之为真正的现跨文化传播与交流的基础，因为跨文化传播要永远发生在共存的两极之间，失去了一极，就谈不上“跨”文化，也就不存在传播与交流，而两极共存的前提就是平等地位和相同价值的认定。另一方面，不同文化的同等地位和公认价值的存在也是使跨文化传播交流的前提。这就犹如我们要在河流上架设桥梁，桥的两端必须是同样的河岸，而不可能桥的一端是土地，另一边通向天空，也就是说，跨文化传播交流只能发生在彼此能够建立内在联系具有共同本质的两极之间。印度文化、阿拉伯-伊斯兰文化、中国文化、欧洲文化这世界四大文化体系各具特色，是历史上人类社会的四种生存方式，我们不能笼统地说哪一个文化体系优秀，哪一个文化体系低劣；对于人类来说，他们都是有价值的，它们相互借鉴融合为人类的进步提供了很多捷径。其次，文化相对性的一面也提醒我们注意文化价值的不确定性，这就要求我们在进行文化比较时要具体情况具体分析。文化的绝对性是普遍存在于所有文化的一个抽象物，而我们所面对的文化总是具体的特定的文化，即使人马上产生感性认识的、活生生的、多彩多姿的文化。很多原因造成了人类文化的多样性，其中它们所处的自然环境和它们自身的历史发展是最主要的因素。再者，文化是发展的，发展使一种文化自身产生不同，今天的文化不同于昨天的文化，明天的文化也必将不同于今天的文化。既然文化的多样性和演奏；而没有熟练的指法技巧也就无从谈起情感的表达。钢琴演奏的目的是表达情感，而技巧是实现这一目的的重要手段之一。只有把技巧熟练掌握才能全身心的投入到乐曲演奏中，才能更好的去发挥自己的乐感。

3、欣赏因乐感而生，良好的音乐知识能更好的辅助情感的表达

音乐不仅仅是一种声音的艺术，同时也是一种有其句法和情感表达规律的语言。钢琴教学这要多引导学生听音乐，了解中外不同时期的音乐特点，知道它们的风格、流派，从不同的作曲家的作品中品味出各自蕴含的艺术情操，以培养分辨音乐好坏的能力，这对培养学生具备良好的乐感及音乐欣赏水平具有积极的作用。结语：

学声乐感的培养和加强是钢琴教育中需要引以重视的问题。钢琴教学者在教学过程中要根据教材的特点和学生的心理特点，利用各种科学有效的方式提高学生学习钢琴的积极性和主动性，让学生全身心的投入到钢琴学习中去。只有这样，才能在长期的钢琴学习中培养出学生良好的乐感，才能让学生体会到音乐的美，感悟到钢琴演奏的魅力。

参考文献：

[1] 段小伟.[2] 杜也萍.[3] 苏日娜.钢琴教学应遵循的几个原则[J].铜仁师范高等专科学校学报, 2002,(02)

谈钢琴教学中的素质教育[J].艺术教育, 2005,(02)

论钢琴教学之八忌[J].内蒙古师范大学学报(教育科学版), 2001,(03)4

第二篇：钢琴教学法

“新思路”钢琴教学法探析

音091齐元义

200937501103

随着社会的不断发展进步，人们对素质的要求逐步提高。被堪称为“乐器之王”的钢琴作为一种西洋乐器，在中国迅速发展普及起来，越来越多的孩子加入到学习钢琴的行列里来。在这里我要从“新思路”钢琴教学法谈谈我对初级儿童钢琴教学的几点认识。

俗话说得好：“兴趣是学习的第一任老师”，的确当你真正喜欢一件事情时，你会情不自禁的将你的专注倾向与此。在学习这门课程之前，首先非常感谢陈老师为我提供一个这样良好的契机。与大家探讨、讨论钢琴初级教学的奥妙，并热情的向我们分享了多年的教学经验。这是我们每一位同学的荣幸，因为机会是非常难得的，相信对我们每一个人来说也是受益匪浅的。

钢琴教学法这门课程突破了传统的陈规，并创新了时代的新观。集规范、兴趣、经济三位一体，小组化授课，最大的特点是在专业的框架下规范学生，又降低了高雅艺术的门槛，让更多的人了解了钢琴，接触了钢琴。

在学习之前，首先给我们进行了目标定位，并分阶段实现（初、中、末）三个目标，这样无形中降低了我们学习的难度，让我们很轻松的度过每一个阶段，在“过程”中学习，这一点对我的感受来说是最为深重的。

以下为钢琴教学法的几大特点：

（1）行为规范化

姿势，从弹奏姿势入手，规范化学生，但给多的强调了“声音的质量”什么样的质量？给学生一个简单的思考。而不是一味的强调“手指”，单纯的追求手架子，使劲把掌关节拱起来，指尖立起来练习；结果只会使整个手僵化，根本无反弹出动听的音乐来，在有意无意中还遏制了孩子音乐感的发展。对于学琴的孩子，从学琴初就要让他们懂得：撑好手架子、立好手指是为了弹出动听的音乐来。在练习基本的几首的同时，要注意启发孩子主动变现音乐。

另外，在教学的过程中，老师还可以充分利用儿童的想象力，培养他们的创新思维和能力，训练他们对音乐的理解和审美能力，可以让学生听一些钢琴曲等音乐，让孩子充分想象，用语言表达出来，这些都会有益于音乐感的培养。

（2）复杂简单化

乐曲，无论是简单的乐曲，儿歌等等，都强调分析乐句。告诉学生如何简单？减轻孩子学琴负担。锻炼学生理性分析作品的能力，对于学习起点较低的学生，运用启发式教学法，有意识地培养他们简要分析和声、织体、曲式的能力。进行这种分析耗时不宜过多，因为钢琴课毕竟要以培养学生的弹奏能力为主。但是这种分析能力可以帮助学生从一开始就加强听觉方面的记忆，避免只运用单

一、机械的手指记忆。而且，大学生学习钢琴，应以理论带动实践。这种在教师启发下的分析法，可以使学生养成良好的学习习惯，有助于学生达到终身学习的目的。

对于已具备某些分析能力的学生，教师就要多运用讨论的教学法，使学生的表达能力、思考能力得到提高。教师要鼓励学生阐述自己对乐谱的理解，再针对学生的不同问题，为学生拓展出一个问题的方面。比如表情术语更深层次的含义、节奏韵律感的把握、旋律的走向、和声的色彩、织体发挥的作用、声音的层次感、运用踏板所产生的效果等问题，要先让学生有一个总体的设想，教师再适时地提出改进建议，帮助他们最恰当地

理解乐谱。

（3）音乐形象化

触键，指尖吸住键盘，在键盘上“歌唱”触键力度上让我们每一个人亲身感受，做到心中有度。弹琴更注重的事感觉，所谓的音乐感，简单的说就是对音乐的感受力、想象力和表现力。我们说一个孩子的演奏具有较强的音乐感，指的是他对音乐中的旋律、节奏、和声、力度等有较强的表现力。对于作品的音乐形象产生丰富的想象力，并通过自己的演奏把这些感受和想象表达出来去感染别人。在任何一门艺术中，技能只是艺术的一种表现手段。掌握了钢琴演奏技术之后，必须要向表现音乐没美，创造音乐美的方向发展，否则只能停留在弹音符的机械化操作阶段。有许多孩子虽然掌握了一些弹琴的手法，但他们不知如何表现音乐，他们弹奏的是单调的音符，而不是音乐，所以说老师应该明确教学方向。在重视学生弹奏技巧训练的同时，还应该进一步提高学生对音乐的感受力、理解力、想象力、表现力。行为规范化，复杂简单化，音乐形象化，始终贯穿教学。并为教学重中之重。

《轻松学琴100课》由简入难，题纲化。每堂课基础知识，和弹奏知识一目了然，既有实践，又有理论。对我们的基础教学提供了很好的理论依据。

（1）枯燥趣味化：理论的知识，通常给人以枯燥，乏味的感觉。如何简单化，趣味

化本教材给出了很好的解释，从读谱开始就要规范化学生，认真读谱。利用音

阶的对称性，及和弦音去识谱。“新思路”着重培养儿童对钢琴的兴趣，从兴

趣出发——许多儿童正是在贪玩的年龄，就被家长带去学琴。因为好奇心强，所以对新事物很有兴趣，对于一开始钢琴的学习充满了好奇感，觉得很有趣。

可是孩子毕竟是孩子，时间长了难免对钢琴的学习从有神秘感、好奇心到逐步

减弱消失，又逐步感到厌烦，从而产生抵触情绪。所以说培养孩子的兴趣是非

常关键的。有句话是：兴趣是最好的老师。在学琴的过程中，老师和家长必须

认识到：良好的学习气氛和对孩子学琴的正确认识态度是孩子对钢琴保持兴趣的重要心里基础。老师和家长需要调整好孩子练琴的松紧度，不要强硬的逼迫

孩子去练琴，使儿童在一个轻松的环境中保持学琴的兴趣。

另外，孩子都是富有想象力的，他们可以把大人眼里看似很平常的物品，想象成很 多有趣的事物。在学琴的过程，我们可以利用这一点，让孩子充分发挥对音乐的想象力，如：我们在做低音组1 5 1 5的练习的时候，我们可以引导孩子去想象，这是大象走路的沉重的声音。让孩子通过想象对学琴加深兴趣，从而变得积极主动起来。在弹《火车》的时候，让孩子去想象火车由启动到行驶到结束这样一个过程，亲切的感受到全音符，二分音符，和四分音符的区别。并能感受到节奏变化音乐带给他的魅力。

（2）目标明确化:理论知识，弹奏知识分工明确。并合理地选择了乐曲的风格。每首乐曲后面都附带了弹奏要求。潜意识的感化学生，习惯成自然。对于学习钢琴起点较低的学生，要通过讲解和赏析的方法使学生对作品风格有初步的了解。学生在弹奏作品的过程中，教师要不断地介绍与此作品风格有关的内容，如作曲家的个性特征、最为出色的创作领域、作品所处的时代特征等。首先以生动、贴切的语言使学生对作品、作曲家有初步的了解。

对于学习钢琴起点较高的学生，老师可以采用对比的方法，使学生主动发现他们个人对作品风格理解上的偏颇。这样，学生就能理解作品风格，并能用语言正确地表述出作品的个性特征。但是，由于学生的内心体验不够丰富，在音乐中难以显露出某种个性，所以，要让学生先听自己弹奏的效果，让他们自己发现所听到的和心里想要的效果相去甚远。然后，再让学生听大师的演奏效果，这样，学生就会不断地在内心听觉方面有新的体验。这样，让学生在对比中学会发现问题，让他们不断在内心积累对音乐风格的体验，他们就会逐步学会在弹奏中体现出作品应有的风格的能力。

让学生做到心到、手到、口到精神注意力集中

老师一开始就用节拍器，给学生养成节拍观念。并在节拍内弹奏乐音，感受音值，节奏。做到心到。注意力高度集中，指尖触键亲切，做到手到。弹琴时要唱谱，做到口到。

这门课程为我们提供了一套科学的方法论，让学生循序渐进的学习，在这里再一次感谢陈老师在课堂上与我们热情的分享多年的教育教学经验。让我们掌握了一套行之有效的教学方法。此后，我也将细心的研究学习钢琴初级教学的方法。将更多前人的理论研究成果用新的思路传授给每一位钢琴爱好者。

第三篇：钢琴教学法讲稿

今天要给大家分享的是，通过学习钢琴教学法学会如何教导学生弹琴。要弹好琴首先就要学会如何弹琴，只有懂得怎样弹琴的学生才能真正弹好钢琴。主要从两个方面阐述，一是用头脑练琴，往往只是听老师如何教就如何做的学生，学到东西的不一定是最多的，只有听了然后自己有去思考的学到的东西才会更加牢固且更多。钢琴练习的表现缺点是在手，但是实质上差错是发生在头脑里，在练琴的时候时候，很多同学会发生的错误就是一首曲子从头至尾的拼命练习，这样子没有意识的练习是非常浪费时间的。那就关于如何正确的练琴，简要的有以下几个建议：

一是明确练习的目的。只有目的性明确了才能少走弯路。任何一个技巧性的问题，只有在明确的练习过程中才能得到解决，像晓凡老师说的针对性练习。同时也给自己安排一个合理的时间表，更好的完成老师的要求。

二是做笔记，做笔记有助于学生练琴，通过钢琴教学法的学习，从老师的经验中获取的一个方法是让学生互相帮忙记笔记，然而我这里的更强调的建议是在课后自己先梳理一遍老师上课讲解的内容，然后自己先把它记下来，再结合同学帮忙记的笔记来吸收上课的内容。

三是养成分析作品和解决问题的能力。关于这一点就是说要学生自己能够从中发现问题，而不是等老师来直接告诉问题所在，当然老师要启发和鼓励学生从音乐旋律和表情记号中找出丰富的感情因素，准确地把握作品的风格，使其具有生命力。

另外还有一方面就是学会用听觉指导练习。在弹琴练习中，声音是否有改进，是否有符合要求，都依赖于听觉来工作。对于学琴的人来讲，耳朵对音乐的反馈能力很强，比任何的理论和方法都更加值得依赖。而我们常常在练琴过程中忽略了用听觉去鉴别弹出的声音效果，只管弹奏的技巧，从不用耳朵去听，然后把曲子从头到尾弹一遍又一遍，久而久之会造成听觉的麻木，分辨不出声音的好坏。所以学会用听觉是弹琴过程中很重要的一个环节。

第四篇：钢琴教学法教案

车尔尼练习曲849第27首-练习指导

教学对象：大一学生一对一小课

教学目的：这是一首训练双手交叉弹奏技术的练习曲，通过本节课学习，完成练习的基本要点。

教学要求：全曲可分三段练习，分手练，再合，达到教学目的的准确性。

教学准备：备课教案，对本练习曲的熟悉，对没分段的技巧掌握达到一定程度。

教学过程：

一、技术分析

这是一首训练双手交叉弹奏技术的练习曲，左手越过右手手位弹奏较高音区的音，或右手越过左手手位弹奏较低音区的音，三个声部中，高声部和低声部为旋律声部，中声部的十六分音符分解和弦为伴奏声部，A大调。

m.d.表示用右手弹奏，m.g.表示用左手弹奏。

全曲共二十八小节，可分三段练习，第一到八小节为第一段，第九到十六小节为第二段，最后十二小节为第三段。

二、重点难点

1.做交叉弹奏动作时，动作幅度较大，身体各部位要协调配合，只有在放松与自然的姿势下才能保证声音的质量和音符的准确。

2.伴奏音为十六分音符，快速中很难控制力度，其声音不可盖过旋律声部。

三、练习提示

做交叉弹奏动作时，肩和背部一定要放松，身体随音符的方向做左右倾斜动作。臂部动作要非常放松，肘关节、腕关节要协同运动，切忌臂部生硬，肩膀夹紧，这样，不但弹奏中声音受到影响，速度也会快不起来。第一段：

左手弹奏低音区断音后，利用跳起反弹动作迅速越过右手，找到高音区旋律位置，将高音区旋律弹得更亮一些。左手5指弹低音区黑键时要注意准确，弹高音区旋律时要注意奏法区别，跳、连要严格区分。

右手伴奏音位置基本保持不动，其中大拇指始终不离开黑健降E（降mi），每个手指都尽量贴近键面，声音既干净又柔和连贯。可每拍转动一次手腕，动作尽量小，这样更有利于控制声音力度。第二段：

右手弹奏旋律部分，力度明显比第一段要强，十六分音符要与左手伴奏音对齐、最初练习时速度不可起得过快。

左手伴奏除控制好力度之外，还要注意声音的均匀。大拇指弹黑键容易过强，时值也容易不匀，可适当将5指声音加重，放松手腕。手在键盘上的位置放得靠前一些。第三段：

前八小节奏法与第一段相同。

第九小节开始，右手上行音阶要看清书上指法：并做出明显的渐强变化。左手四个和弦均标有强音记号，要弹得十分有力，利用手臂抬起的重量帮助弹出重音来。第十一与十二小节的左手连接位置跳动大，且5指在黑键上，较容易滑落，应单独加以练习。本课小结 车尔尼849练习曲总共有30首，是培养钢琴演奏高技术的预备练习。通过练习要求达到手指动作迅速、正确、发音均衡。在训练中同时要培养学生音乐的基本感觉。既然它是技术训练的第一步，因此每条练习曲都要认真地练，在练习中，要注意下列几点：

1．基本技巧的掌握和达到训练目标肯定会有许多困难，为减少困难，少走弯路，必须按照指定的指法来弹奏，对个别难点要多练习几次。

2．对于初学者来说，每首练习曲的速度是相当快的。在初练时速度要放慢，运指要正确，熟练后再按指定的速度弹奏。

3．要按照表请记号弹奏，弹奏出音乐的流动起伏。这也是弹奏的重要基本功，千万不可忽视。

4.要保持正确的弹奏姿势，身体各部分的力量不可滥用，要严格按用教师的指导认真练，以取得事半功倍的效果。

第五篇：钢琴论文

钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧，也就是人们常说的“基本功”，是钢琴学习中最为重要的内容之一，但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣，没有予以高度重视，以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以，只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用，并用正确的方法进行练习，打好钢琴演奏的基本功，才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品！

一、重要性

伟大的钢琴教育家卡尔·车尔尼有一句名言：如果你问我，怎样才能成为好的钢琴家，那么你告诉我，你练了多少音阶?！伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师——拉赫玛尼诺夫也指出：出色的钢琴家，必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧，一针见血地高度概括了钢琴基本技术学习的重要性。

众所周知，精彩动人的音乐需要演奏者全身心投入的演奏，细腻地刻画音乐形象，而这一切往往需要出色的、辉煌的技巧，可以说，没有过硬的技巧，音乐表现就无从谈起！而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题，渗透于几乎所有音乐作品的每一个句子当中！钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练，尤其是在早期学习阶段进行系统的练习，对于手指、臂、腕等生理机能的潜力，将得到最好的发掘，为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础！在你的钢琴学习生涯中，你在基本技术训练中的每一分努力，都将得到加倍的回报。打个比方：你在基本技巧训练中多花一小时的时间，你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间，却得到更好的效果。全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、和弦、琶音等基本技术是必考项目，已经足以证明这些内容的重要性，但不少学生却几乎从来都不练或者很少进行基本技巧的练习，直至为了应付钢琴考级才匆匆忙忙练出必考的几个调的音阶。这一切所带来的后果则是“营养不良”、技术生疏、进步缓慢、学习效率极低！而不少令人感到“进步神速”的学生却在基本技术上暗下功夫，他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后，更进一步在这里下功夫，这种良性循环使他们达到了令人望尘莫及的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后，难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?！那么，到底需要多少时间进行这一训练呢?答案当然是越多越好。总之，在学生时代每天拿出你练琴时间的1／3进行基本技术训练绝不过分！

二、训练方法

1．慢练为主，结合变速练习

首先，不论哪种技巧，在初学阶段都必须用很慢的速度进行练习，这一点尤为重要！只有用很慢的速度，才能把每一个动作的细节准确地奏出，并且有足够的时间去注意指法等问题。慢练的重要性是怎么强调都不过分的。慢练是克服一切技术障碍最有效的方法；慢练犹如“放大镜”，把所有细节都扩大，让你真正体会到各个关节的动作，使动作简练，下键力度集中，并体会到触键的细微感觉，使每个音都充满“美”„„慢练需要极大的耐心，真正做到持之以恒地慢练，将让你受益终生，慢练是弹好钢琴的秘诀！慢练应贯穿于学习的全过程！

始终坚持以慢练为主，在掌握正确触键的基础上，能够把每一个音弹得均匀、清晰、集中之后，利用节拍器结合变速练习，快慢循环结合，把各种技巧弹得飞快而保持每个音的均匀、清晰，对于克服手指连续跑动的困难是十分有效的方法。

2．分手练

经常分手练习，可以使每个音都达到要求，学习效率更高。不但在练习的初级阶段要分手练，而且必须随时穿插分手练习。在初学阶段，分手练有利于提高准确性，如指法、下键的准确性等。尤其是许多初学者，左手总是处于被动的地位，一味地跟着右手走，在触键的力度、音色把握等方面起不到锻炼的作用。所以，经常进行分手练习，并特别注意倾听左手弹出的声音，改善触键，你会感到受益匪浅。

3．高抬指练习与贴键练习相结合

触键练习中，适度的高抬指练习是很重要的，这可以使手指第三关节积极运动，手指动作迅捷有力，以发出扎实、均匀的声音。然而，手指的真功夫不在于抬得高，而在于控制住每一个手指，使其依靠微小的精确动作，把每个音都弹得结实、集中而均匀。可以说，抬高的最终目的就是为了能不抬高(贴键)。因为在高难度的快速经过句中，手指是不可能高高抬起的，这时速度虽然很快，却要求每个音都保持清晰、干净、有颗粒性，这都是通过高抬指练习后才可能达到的结果。然而，并非所有的快速音符都需要很有力度的声音，有许多经过句就需要快速而又异常柔美的声音，这就需要通过持之以恒的贴键练习而达到目的。因此，可以说经常做贴键练习，训练手指第一关节，加强手指对键盘的控制能力，对于获得集中而圆润的“美”的音色是非常重要的！个别教师过分强调手指高高的抬起，使学生把注意力和力量都用在抬高手指上，而忽视了下键力度的集中，做了许多无用功。所以说，适当的抬高手指练习是必要的，但应把注意力更多地放在手指集中力量下键上，这样才能用最经济的手段、最节约的动作达到最好的声音效果！

三、触健与音色

有关触键原理及各种触键方法运用方面的问题，笔者在(如何创造“美”的音色)一文中已有较为详尽的阐释，因篇幅关系，笔者就不再重复，在这里重点谈谈触键方法中最为核心的问题——手腕的运用以及一些尤其重要而又在教学中极易出现偏差的触键问题：

手腕的运用是重量弹奏法中最为重要的课题！手腕是连接手指与手臂最直接的中转站，手腕运用得好，手臂甚至上半身的重量就能直接传递到手指、琴键，从而产生丰富多彩的音色，轻而易举地弹奏出铿锵有力的、柔和甜美而又饱满、富有穿透力的音色，同时也能轻松自如地弹奏各种快速经过句。手腕在钢琴演奏中的作用就如汽车的减震器，乘坐高级轿车和低档汽车，舒适性截然不同，而起决定性作用的首先当然是减震器，它带给你的不仅是舒适，还保证你的安全。可以说：不能正确的运用手腕，你的演奏就永远不可能达到钢琴演奏的巅峰！

1．在弹奏音阶、琶音、分解和弦时，应注意手腕上下与左右的运动。一般来说，弹奏一指(拇指)时，手腕总是处于比较低的位置，就如手臂自然落下时的高度；从二指(食指)过渡到五指(小指)，手腕逐渐升高，整只手的重心向四五指转移，这时你就会感觉到手臂的重量很自然的从手指输送到琴键上，击发出饱满、圆润而迷人的声音！尤其在弹奏较宽的音程时，手的重心转移尤其显得重要！由于任何人的四五指都天生的较一、二、三指薄弱，所以在弹奏四五指时适当地抬高手腕有助于把手臂的重量更好地传送到指尖，使每个手指弹出的声音一样均匀、饱满、统一。

在钢琴普及教育中有两种极为常见的触键方面的错误：

a．手腕僵硬。个别教师片面要求学生的手腕平稳，完全限制手腕的上下运动，甚至使用极其古老而早已淘汰的方法，长期要求学生在手腕上面放一枚硬币进行弹奏而不允许掉下来，使学生的手臂、手腕愈发紧张，最后变得僵硬。这样的结果必将严重阻碍学生的进一步学习，他们将永远无法去演奏那些高难度的作品。

b．用手腕直接去“压”出声音。年纪小的学生手指力度较小，如果教师片面要求音量，却不能用正确的触键方法去弹奏，学生就用手腕去帮忙“压”出每一个音。我们经常看到一些学生弹琴时手腕不停地上下抖动，手指弹每一个音手腕都往下压，弹得很吃力，速度却始终上不去。

以上两种错误的触键方法都严重阻碍了学生的进步，需特别注意。只有放松、自如、优美而正确的手腕动作，才能使你把各种高深的技巧，不论怎样的速度和力度要求，均弹得轻松自如、精彩绝伦！

2．为了最终能够把音阶、琶音弹得飞快、均匀、连贯而清晰，除了掌握上述正确的触键方法之外，需注意三个诀窍：

a．弹奏音阶、琶音右手上行和左手下行时，应注意拇指的动作提前。即：拇指每次一弹完自己所属的琴键后，应迅速转移至最接近后面应由它弹奏的琴键上，而不是等其他手指弹完之后再突然跳至下一个琴键上；

b．弹奏音阶、琶音右手下行与左手上行时，应运用手腕的上下左右的动作使声音连贯，而并非利用大臂外甩的动作来帮助手指把音符连起来。在弹奏右手上行或左手下行时，大臂自然放松下垂，弹至最后一个音时，大臂略微外摆，利用横向动作带动，肘部略微提高(其幅度是大臂不必外甩而手指跨指时能顺利地把声音弹得连贯，同时大臂、肩膀不应感到疲劳)，弹奏右手下行或左手上行；

c．注意手指的准备动作：一次性抬起(稍微抬起即可，不必高抬指)，需要马上弹奏的手指，随时做好往下弹的准备，而不是每弹一个音抬起一个手指，影响弹奏速度(只有最经济的动作，才能创造出作品所需要的最快的速度)。利用手指的爆发力，加上手臂的重量(通过手腕动作传输到指尖)，迅速下键(如锤子敲钉子般)，即可弹出飞快而清晰的音符。

值得注意的是：弹奏半音阶有一定的特殊性，白键和黑键频繁的转换，要求手腕动作非常平稳，上下的动作比弹音阶、琶音等小得多，特别强调拇指更高的站起来，配合三指在黑键上的高度，以保证声音的统一和快速的演奏。即使如此，也应注意手腕是放松，而不是僵硬的！

3．弹奏强有力的和弦时，应注意用往前推的力量去弹。手指贴键，运用手臂本身的重量加上爆发力，通过手腕往上的动作，瞬间发力，使所有的力量毫无损失的集中到指尖，并在发力之后(几乎同时)，迅速放松手腕和手臂，从而弹奏出强有力、声音集中而不刺耳的音色。尤其需要强调的是：不能使往下用力压手腕的方法来弹和弦，这样力量会集中到手腕的下方，而不是指尖，并导致小臂的紧张，这也是教学过程中经常见到的错误的触键方法。或许有些学生还会觉得疑惑：为什么应该用往前推的力量而不用往下压的力量去弹?事实上，意念中是往前推，但手指是自然弯曲的，力量到达弯曲的手指之后一转弯就变成往下的力量去击发琴键。运用这种触键方法(注意：手指贴键弹)，能够弹奏出极具震撼力而不炸、不破、不刺耳的声音。而在弹奏较为轻巧的和弦时，手的架子仍应牢固，手指贴键，指尖有一种往后“抓”的感觉，弹出来的声音轻巧而又集中，不散、不虚，有生命力。

4在弹奏和弦及八度时同时需要特别强调的就是手型。在弹奏和弦及八度时往往需要较大的力度集中到指尖，这时就需要一个非常坚固的手型(架子)去支撑，否则再大的力量经过疲软的手型后不可能产生坚实、有力、集中的音色。因此，在弹奏和弦及八度时，应该创造一个牢固的“架子”，想象手里抓起一只名贵的碗，或想象自己的手就像老鹰的爪子或芭蕾舞演员的足尖绷紧一样坚固有力，同时，手臂就像老鹰的翅膀一样在空中自由的飞翔，或像芭蕾舞演员的身躯一样放松自如地画出优美的线条。手臂和手腕松紧结合，并且在必要时把手的重心偏向小指，创造出辉煌、震撼的和弦与八度技巧。

5．音色的控制：掌握正确触键方法的最终目标就是让钢琴产生良好的音色，不论任何技巧、任何力度的触键，都必须保持音色的“美”！不少人认为基本技术的训练主要是提高手指的速度和力度，只要能弹得很响就行，音色无所谓，这正是钢琴教学中一个很大的误区，而且这个误区相当严重，随处可见。他们丢掉了一个重要的原则：钢琴的音色应作到“强而不炸，弱而不虚”。钢琴技术中最难的不是速度和力度，而是音色。尤其是中国的钢琴教学，不少业余教师片面的、过分的强调高抬指练习，音色完全不考虑。表面上手指的功夫似乎练出来了，事实上，真正的功夫在声音的控制上，他们完全忘了。中国确实出了不少钢琴人才，毋庸置疑。在庞大的学琴队伍中，许多孩子能把高难度的作品弹得一个音不落，但能弹出好音色的孩子则不多。对比欧美国家，也许有不少孩子弹奏一首小曲都不是非常熟练，但他们却能发出你喜欢的声音，而且他们弹得很快乐，让你爰不释手——因为他们弹奏的是音乐，而不仅是键盘！

许多年纪很小的学生就能演奏不少钢琴家在舞台上演奏的难度很大的音乐会作品，那么他们和钢琴大师的区别在哪里呢?显而易见，最大的区别就在于对音乐的理解、表达和音色。音色，是音乐表达中最重要的手段，没有正确的、好的音色，音乐表现就无从谈起。钢琴技术包括的不仅是速度和力度，最重要的还包括对声音的控制能力！所以，在练习基本技巧时，必须用你的耳朵仔细倾听每一个音的音色，从此，美妙的琴声便伴随着你。

总而言之，钢琴基本技术的训练贯穿了钢琴艺术学习生涯的整个过程，对于最终钢琴演奏能否成功起着举足轻重的作用，每一位钢琴学习者都必须运用正确的学习方法、掌握正确的触键方法，持之以恒地坚持每天进行钢琴基本技术的练习，做到“十年如一日”，你一定会发现：一切努力都是值得的!